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Pensamiento Multidisciplinar

Cree en ti mismo recopilatorio. Ángel Aznar artista multidisciplinarHace algo más de un año, estando con una amiga, un artista un tanto pretencioso al que acabábamos de conocer se puso a preguntarle a qué se dedicaba ella. Cuando le djio que era artista, él quiso saber de qué disciplina y ella le dijo que era multidisciplinar, a lo que él respondió:

“¡Estás equivocada! Eso es una estupidez. Cuando quieres hacer una pieza ¿Con qué técnica la piensas primero?”

Recuerdo el cabreo estupendo que se llevó mi amiga y que le bautizó como “El Inútil”, apodo que se le ha quedado.

El caso es que desgraciadamente no es una opinión de unos pocos Inútiles, sino que, por desgracia, está mucho más extendida de lo que me gusta pensar. Aquello de “aprendiz de mucho, maestro de nada” es una conciencia demasiado arraigada.

Al contrario de la opinión popular, ser multidisciplinar no es algo “de moda” o algo que reste categoría a un artista, sino todo lo contrario.

Para un artista, ser capaz de desarrollarse en más de un arte, le da una perspectiva única y un pensamiento más flexible, lo que le abre posibilidades a crear con una imaginación más despierta y libre.

Además, es fácil que una vez que has empezado a crear arte en una disciplina, después, o al tiempo, acabes adquiriendo otras; pero nuestro problema, generalmente, es que acabamos coartándonos a nosotros mismos o creyéndonos eso que nos dice la gente de que “hay que centrarse”. Es posible que si dedicas todo tu tiempo a una sola disciplina, desarrolles mucha mejor técnica en esta, que si divides tu tiempo entre varias… pero ¿ES QUE ES TODO TÉCNICA?

Está claro que si quieres ser un pintor hiper-realista o un concertista clásico, necesitas una técnica cada vez más depurada, pero eso no es así para todo el resto de las vertientes artísticas y en muchas, por no decir, la mayoría, prima la creatividad sobre la habilidad. Es ahí donde creo poder ayudaros.

Llevo desde que soy un niño trabajando distintas disciplinas artísticas, saltando de una a otra, combinándolas, evolucionando o simplemente dedicando circunstancialmente más tiempo a unas que a otras, pero hay una serie de claves que, al menos a mí, me han ayudado en este proceso.

    • No tengas pudor. Cualquier arte es complejo, pero exponerse y tener respuesta del público siempre es enriquecedor.
    • Acepta que te vas a equivocar y que eso no tiene por qué ser malo. Desconocer la técnica da como resultado “errores”, pero si esos errores son afortunados o desafortunados, sólo lo decides tú.
    • La técnica puede no ser transponible, pero la filosofía sí lo es. Tener un profundo planteamiento como poeta, te da la posibilidad de aplicarlo igual a la escultura o viceversa.
    • Apóyate en lo que dominas. Dependiendo de qué arte a que arte migres, puede haber aspectos comunes. Úsalos a tu favor como base y desarrolla a partir de ahí.
    • Déjate guiar por el instinto. Ser artista desarrolla nuestro gusto y la toma de decisiones. Da igual qué disciplina sea.
  • Date tiempo. La perseverancia es imprescindible para mejorar.
  • Cruza técnicas. Si la filosofía es algo que se puede transponer, eso te da la libertad de abordar la misma idea con diferentes disciplinas y hacerlo a la vez.

A lo largo de mi vida he desarrollado muchas disciplinas artísticas diferentes y muchas técnicas diferentes dentro de cada disciplina (ya os lo contaré en otro post). En unas he trabajado más, en otras menos, pero todo me ha aportado experiencia, capacidad de pensamiento y flexibilidad.

Abrirte a cambiar de técnica o de disciplina, puede ser lo más enriquecedor que te ocurra en la vida. Si quieres hacerlo, sigue adelante sin importar lo que opinen personas con la mente más cerrada

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Formulando un nuevo gres

Pruebas con mi nuevo gres. Testing my new stoneclay. #Art #Artist #Arte #Artista #Pottery  #Ceramics #Cerámica #Artesanía #Clay #Barro #Stoneclay #GresGRES: Es una pasta cerámica de media y alta temperatura pensada para que vitrifique por completo en la cocción, dejando de ser porosa.

Ya os hablé en un ocasión sobre el dilema de Comprar o Formular en cuanto a las pastas y los esmaltes, pero esta vez voy a aprovechar que acabo de estrenar un nuevo gres en mi taller para ser un poco más concreto.

Lo primero es quitarse el miedo a la formulación de pastas. Es mucho menos cansado que formular esmaltes y mucho más gratificante porque, en general, salen bien. Por otro lado, hay mil libros sobre formulación de pastas. Bueno, mil no, pero os podéis encontrar con una buena decena que os contarán qué mezclar para qué temperaturas. “El Manual del Ceramista”, de Jorge Fernández Chiti puede ser un buen principio con unas cuantas pastas para cada temperatura. Yo os voy a poner un par mías.

RECETAS PARA GRES

GRES 1 – 1280 grados:

  • CAOLÍN 20%
  • FELDESPATO POTÁSICO 25%
  • CUARZO 20%
  • ARCILLA DE BOLAS 35%

GRES 2 – 1280 grados:

  • CAOLÍN 20%
  • FELDESPATO POTÁSICO 10%
  • CUARZO 10%
  • ARCILLA DE BOLAS 60%

Y ahora os explico. El GRES 1 es un gres porcelánico que, si en vez de usar arcilla magnum, usáis alguna muy caolinítica, podéis conseguir una porcelana bonita que incluso se puede trabajar a torno. el GRES 2 es mucho más parecido a los que se pueden comprar industrialmente; plástico, manejable, torneable… una gozada de pasta

Pero como os he dicho varias veces, la gracia de las pastas es que las puedes hacer a tu gusto. La mayoría de los greses que se venden tienen más o menos el mismo color, más o menos la misma textura, etc. Para marcar diferencia he hecho esto:

GRES 3 – 1280 grados:

  • CAOLÍN 20%
  • FELDESPATO POTÁSICO 10%
  • CUARZO 10%
  • ARCILLA DE BOLAS 50%
  • ARCILLA CAOLINÍTICA “ARGIREC” 10%
  • CHAMOTA IMPALPABLE 35%
  • ARENA DE RUTILO FINA 0,003%

De esta manera, el gres deja de tener ese tono “amarillito” industrial y pasa a un tono mucho más claro. Al usar chamota impalpable, podemos trabajarlo mejor al torno y darle un acabado liso a la superficie, tanto en el torneado como el retorneado, y la arena de rutilo le da un moteado muy bonito, que se marca aún más con atmósfera reductora o en las partes que están cubiertas por esmalte.

pruebas de pastas y de esmaltesIgual que yo he tomado estas decisiones, podéis tomar otras:

  • Usar chamota gruesa y arena de rutilo media
  • Usar sólo arcilla caolinítica al completo
  • Añadirle óxido de hierro o de manganeso para oscurecerla (ojo que ambos son fundentes y eso baja la temperatura de la pasta si es mucha cantidad)
  • Añadirle óxido de cobre o de cobalto para darle matices o colorear la pasta
  • Añadir arena de verniculita…….

Partiendo de una base que funcione, podéis conseguir que vuestros productos sean únicos ya desde el primer vistazo. Cuanto más trabajéis sobre una receta, mejores serán los resultados y más cercanos a lo que buscáis.

5 CONSEJOS PRÁCTICOS:

  1. Con una prueba de 100 gramos ya sabes cómo es la pasta y si valdrá para lo que quieres.
  2. El mismo mineral no tiene nada que ver de una casa a otra. Prueba con los que compras habitualmente.
  3. Deja reposar al menos 1 día la pasta ya amasada. El barro tiene memoria, el gres y la porcelana, más.
  4. Ten un cubo con agua para los restos de las pastas que uses. Siempre puedes reciclarla.
  5. Sé paciente. Cada pasta se trabaja de una manera y hay que cogerle el pulso.

 

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Cerámica entre lo artístico y lo industrial

pruebas de pastas y de esmaltes

Pruebas de esmaltes y pastas

Hace muchos años, cuando yo sólo era un estudiante de cerámica, recuerdo haber tenido una conversación sobre el tema de los talleres de cerámica. Una amiga me preguntaba por qué no montaba un taller e iba trabajando con cosas que se vendan al mismo tiempo que hacía trabajos más artísticos y yo le defendía (también estaba empezando con la fotografía) que eso era “como el que quiere ser fotógrafo artístico y se pone a hacer bodas”.

Por suerte, la vida tiene un curioso sentido del humor y  no pasó más de un año cuando estaba trabajando en un taller de cerámica para otro artista, donde aprendí qué tenía de bueno tener un taller.
Los ceramistas que tenemos taller propio nos movemos, casi todos, entre lo artístico y lo industrial. Utilizamos técnicas industriales (moldes, esmaltes de compra, repetición de diseños, etc.) a la vez que tratamos de innovar y de ser más y más creativos por otro lado (forma, utilidad, técnicas…). Al final todos necesitamos mantenernos de nuestro taller y el taller tiene que dar dinero de una manera o de otra; si con la parte artística te alcanza, perfecto, pero si hay algo que aprendí de ese primer trabajo en el taller, es que tener las dos ramas, artistica y artesanal, bajo un mismo taller es sumamente rentable.

pacman #pacmanattack

Piezas artísticas trabajadas a molde

Creo que ya os hablé de esto en el post sobre la multitarea, pero insisto en ello. Si tenemos un taller de artesanía que tiene una labor semi-industrial y que funciona, puede ser la mejor base de operaciones para montarnos nuestro taller artístico. ¿Por qué? Fácil:

Porque puedes compartir recursos y beneficiarte todo el rato de esa “doble intención”

Creo que tenemos que quitarnos aún pudores, aquí los primeros, entre lo que consideramos artístico y lo que consideramos industrial y lo que es “lícito” tratar de una manera o de otra. Tenemos muchos tabúes aún a la hora de utilizar técnicas industriales en lo artístico y algunos aún guardan demasiado miedo a ser artísticos en lo industrial, cuando lo que necesitamos es alejarnos de los “MADE IN CHINA”. Las técnicas son sólo técnicas. Están para ser usadas.

La cerámica es un arte industrial. No somos pintores, no somos dibujantes, no somos escultores aunque hagamos todo ello. Nuestro arte necesita ingeniería aún es sus versiones más “simples”, así que estamos abocados a ser siempre artísticos e industriales a la vez. ¡Saquémosle partido!

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Pasta autofraguante

Estamos preparando un proyecto grande para un mural y como ya os hablé en su momento del tema de los murales, quería indagar un poco más en este aspecto concreto.

Para esta pieza usé arcilla blanca de Manises (gris en crudo) +10% de hollin

La pasta autofraguante, para quien no la conozca, es simplemente una fórmula de pasta cerámica con cemento que no necesita cocción. La idea es poder realizar piezas de gran tamaño sin necesidad de cortarlas ni cocerlas.

Como además estamos preparando un mural de gran formato, hemos hecho un mural de prueba en formato pequeño, no sólo para ver los límites de plasticidad de nuestra fórmula, sino para además probar un coloreado con óxido de hierro al 5% sobre pasta blanca y además poder hacer el cálculo de la cantidad de material necesaria para la superficie que tenemos.

La fórmula está basada en el trabajo de Jorge Fernández Chiti, con el que ya hice un par de cursos hace unos cuantos años y que es uno de los grandes teóricos de la cerámica que tenemos actualmente.

Puesto que no es una pasta que se vaya a cocer, se le puede dar color con tintes vegetales y demás, siempre y cuando no vaya a ser usado en exterior, en cuyo caso os recomiendo materiales de tinte mineral o al menos, que aguante el sol sin decolorar, como el negro de humo o los tintes de pintura de exterior.

Os dejo unas claves para el uso de este material que os pueden ser útiles:

  1. La pasta empieza a estar fraguada en 2 horas, pero va perdiendo plasticidad desde que se mezcla. Se modela normal durante 1 hora más o menos
  2. Es mejor hacer sólo la cantidad de mezcla que podremos trabajar. Si la pieza es grande, volvemos a mezclar y añadir
  3. En piezas grandes, conviene tener una estructura interior. Es plástica como un refractario, pero si trabajamos piezas verticales, se pueden desmoronar si es mucha masa
  4. Es interesante trabajar diferentes aspectos en distintas fases de secado. Esquema de volumen, detalle, textura, lavado o acabado. El orden ayuda
  5. No te pongas a trabajar si no sabes lo que vas a hacer, es una pasta que no se rehace, así que hay que ir a tiro hecho
FÓRMULA
Fórmula autofraguante Partes
Arcilla 8
Arena 7
Cemento 5
Agua 5

Una parte de 1kg de arcilla con mis materiales

Equivalencia Peso/volumen Gr
Arcilla 1000
Arena 2480
Cemento 1700

La fórmula está expresada en partes de manera que se pueda hacer por volúmen; La Equivalencia es lo que pesan los materiales con el mismo volumen que un kilo de mi arcilla. El agua, en la fórmula original, es el 25% del volumen total de la mezcla, pero os lo he puesto todo junto para que lo tengáis fácil. Mezclar en seco y añadir agua después

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Diseño y casualidad

Siempre me ha fascinado el diseño. Desde los tiempos de la escuela hasta hoy he trabajado siempre por que los diseños sean, no sólo hermosos, sino además prácticos, fáciles de usar y  limpiar y preferiblemente integrados.

Hace algo más de un año, antes incluso de poner en pie el taller, hablé con una de las tiendas que venden nuestras piezas en Madrid La Modethêque para hacerles un diseño exclusivo para su tienda; unas tacitas  y mugs de porcelana para que pudieran servir café a los clientes mientras disfrutan de su fabuloso showroom. De paso, esas tacitas, quedan a la venta en la misma tienda.

La tienda está en Calle Pez, 1. Madrid

El caso, es que, como veis en la foto, esas tacitas tienen un asa muy mono que es un corte sobre el labio de la pieza en el momento en que se está torneando y que, la verdad, tiene su complicación para hacerlo porque necesitas conseguir que la porcelana esté en un punto de secado concreto para poder darle forma sin que se caiga ni se rompa al doblarlo… Además de que tiene muchas papeletas para romperse después en el secado o aún cuando está bizcochado (sólo con mirarlo)

Esas tazas han triunfado.

No sólo en la tienda, sino a cualquiera que las haya visto, ya sea físicas o por foto, lo que me ha llevado a que ha habido muchos que nos han pedido juegos “como ese”; pero cuando parte de la filosofía del taller es precisamente la de vender producto único, obviamente, no lo puedes hacer. ¿Solución? Hemos hecho mil modificaciones a ese tipo de tazas, respetando siempre el detalle del asa que es lo que más fascina. Tanto es así que se está empezando a convertir en imagen de marca.

Os contaba esto para hablaros de la otra parte: EL DISEÑO

Es muy importante tener las ideas claras sobre lo que queremos hacer, tanto en cuanto a diseños, como en cuanto a tipo de producción etc. Pero también es igual de importante escuchar al público y entender sus necesidades, porque puede que demos en el clavo a la primera o puede que lo que para nosotros era menos importante, sea después lo que más nos pidan y hay que estar siempre abierto a escuchar la casualidad.

Os dejo 5 claves que os pueden ser prácticas:

  1. Diseñad en papel. Hacer modelos está bien, pero dibujados puedes hacer 10 veces más en el mismo tiempo
  2. Pensad siempre en quién lo va a usar y cómo.
  3. En un encargo, escuchad siempre lo que el cliente os dice y lo que no sabe decir. Que lo vean dibujado antes de empezar una producción
  4. Prepararse es importante. Leer algunos libros sobre diseño industrial ayuda mucho
  5. No deseches ideas. La que puede parecer floja hoy, pasado mañana te da la clave para mejorar otra
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